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Checklist de la composition musicale Une checklist à destination du compositeur : tous les points à vérifier pour parfaire un morceau de musique. Ecrit par Roi of the Suisse le 18/04/2024

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❤ 6Cornemuse Crystal Zam Nemau Alkanédon Skoomoh Bellum C'est bon ? Tu as terminé ton morceau de musique ? Tu es content ? Eh bien non, tu n'as pas terminé. Il y a plein de choses qui ne vont pas. En fait, il n'y a rien qui va. Recommence tout. Une minute de musique, c'est une heure de composition puis une semaine de bidouillage. Allez, zou, au boulot ! Ci-dessous, une "checklist" du compositeur. C'est pour moi-même, mais aussi pour vous. Ce sont des points auxquels on oublie parfois de penser, et qui dégradent la qualité du morceau. Ce sont des choses aussi qu'on apprend avec l'expérience, qu'on ignore totalement quand on débute. Pendant la composition, ou après la composition, vérifier la checklist, et retravailler le morceau jusqu'à ce que tous les points aient été pris en compte (ou ignorés sciemment). Chaque aspect doit être un choix conscient. Le but de la checklist n'est pas d'expliquer ces concepts musicaux aux débutants, c'est vraiment juste une checklist, pour s'assurer qu'on n'a rien oublié. N'hésitez pas à creuser par vous-mêmes les concepts évoqués si vous ne les connaissez pas, sur Wikipédia, Youtube, ou dans nos autres tutoriels sur Oniromancie. Mode et gamme - Est-ce que la gamme et le mode du morceau ont été choisi sciemment en fonction du rôle du morceau ? Ne pas choisir le mode majeur ou le mode mineur sans réfléchir. Chaque gamme/mode dégage une ambiance particulière. Il y a plein de gammes et modes : modes diatoniques (lydien, ionien/majeur, myxolydien, dorien, éolien/mineur, phrygien, locrien), mineur harmonique, blues, gamme par tons, gamme demi-ton - ton, gammes pentatoniques (hirajoshi, kumoï, iwato...), maqâm, raga... Rythme - Ne pas choisir bêtement du 4/4. Un rythme ternaire c'est bien aussi, ça peut suggérer une cyclicité, ou le mouvement des vagues. Quid d'un rythme impair : 5/4 ? 7/8 ? Peut suggérer le déboussolement du héros/joueur, la bizarrerie d'un lieu/personnage. Quid d'un rythme accidenté (idéal pour musicaliser un moment d'action) : 3/8 + 3/8 + 2/8 ? C'est quand la dernière fois que tu as écrit un triolet ? Espèce d'andouille ! Modulations, accords empruntés - Est-ce que la musique a besoin d'être émouvante pour accompagner une cinématique / un texte ? Auquel cas utiliser des modulations (vers les dièses pour un évènement heureux ; vers les bémols pour un évènement tragique) ou des accords empruntés à d'autres tonalités. Nature des accords - Ne pas utiliser bêtement des triades (accords) mineures et majeures tout le temps. Il y a plein de types d'accords (pleinement diminué, demi-diminué, augmenté, ikisugi, power chord, majeur septième majeure, majeur septième mineure (dominante), mineur septième mineure, mineur septième majeure (minmaj), neuvième, onzième, onzième dièse, treizième, lydien, sixte napolitaine, tierce picarde, suspendu 4, suspendu 2, septième de dominante bémol 5 bémol 9...). - Ne pas utiliser trop de types d'accords différents dans le morceau. Choisir quelques sortes d'accords et s'y tenir, pour que l'ambiance du morceau reste cohérente. La cohérence est plus importante pour un morceau d'ambiance que pour un morceau cinématique. - C'est quoi l'avant-dernier accord de ta section ? Un accord de septième de dominante n'est-ce pas ? Que dirais-tu d'un suspendu 4, d'un accord augmenté, ou d'une substitution tritonique à la place ? Renversements d'accords - Ne pas mettre bêtement tous les accords au premier renversement (tonique en bas). On peut fonder un accord en tierce, c'est plutôt stable. On peut fonder un accord en quinte, c'est plutôt instable mais ça peut avoir son utilité. On peut aussi fonder un accord en 7e, 9e etc. Comment choisir le renversement ? Premièrement, écouter si le niveau de stabilité/instabilité du renversement sied dans le morceau (une fin de phrase est stable, un milieu de phrase est instable). Deuxièmement, c'est le "voice leading" qui peut déterminer les renversements tout simplement. C'est-à-dire que chaque ligne musicale doit être jolie à écouter indépendamment des autres (contrepoint), et pas servir seulement à harmoniser la mélodie principale. C'est si beau quand la basse chante. Accord ouvert / accord fermé - Au piano, les accords sont fermés (notes rapprochées) pour qu'on puisse les jouer avec deux mains, mais il ne faut pas fermer ses accords systématiquement, surtout quand on écrit pour autre chose que le piano. Les cordes peuvent jouer des accords très ouverts, pour donner un caractère aéré, éthéré, léger. - Attention à ne pas utiliser d'accords fermés dans les graves, ça fait tout de suite très très boueux. Les notes proches, plus c'est dans les aigus, plus ça passe. Richesse des accords - Attention à ne pas mettre toutes les harmoniques d'un accord systématiquement. Ne pas surcharger l'accord. Mettre le strict minimum d'harmoniques pour avoir la sonorité voulue. A fortiori sur les violons, qui ont déjà un timbre très riche. La quinte peut parfois être omise (notamment dans les accords jazz au piano), elle est neutre, n'apporte pas de couleur à l'accord. Ne pas multiplier les tierces lors de l'harmonisation, a fortiori dans les graves. On peut mettre plein de toniques sur un accord joué par l'orchestre, mais pas plein de tierces. Idem pour les septièmes. Instruments - Est-ce que les instruments ont un rapport avec le personnage/lieu/moment à musicaliser ? Ne pas mettre du piano bêtement partout. C'est quand la dernière fois que tu as composé pour mandoline ? Ne pas mettre des percussions martiales et des cuivres partout #HansZimmer. C'est quand la dernière fois que tu as écrit une ligne de hautbois ? Dynamique - De fortissimo à pianissimo, un instrument ne joue pas toujours avec la même intensité. Surtout pour les musiques cinématiques (un morceau d'ambiance n'a pas forcément besoin de variations de dynamiques). Ornements/fioritures, articulations - Ça peut donner plus de personnalité à la musique, la rendre moins plate. Attention à ne pas en abuser non plus. Fioritures baroques (trille, mordant, appogiature, grupetto...) pour la musique baroque, par exemple pour musicaliser un manoir de riche bourgeois. - Certains instruments nécessitent des fioritures propres. On ne peut pas se contenter de distribuer les lignes musicales neutres aux instruments sans les modifier en fonction. Appogiature : une flute ça ne fait pas tout le temps tuuuuuut. Ça fait aussi pluit' ! L'appogiature va bien aussi sur un koto, une harpe, une guitare, une trompette... L'arpège va bien sur une harpe, une guitare, un piano. Trémolo (roulement) sur un xylophone. Fioritures baroques sur un clavecin. Pour les cordes : staccato, tenuto, marcato, vibrato, pizzicato. Pour une musique calme, on passera la contrebasse en pizzicato alors que les autres cordes frottent. Richesse de l'orchestration - Parfois, on a tendance à en mettre trop, c'est trop dense, trop touffu, c'est la cacophonie. Cela peut arriver quand on a une approche par empilement successif de couches. Il faut alors défricher, faire de la place pour ce qui est vraiment important à tel moment du morceau, taire certaines lignes. De façon préventive, essayer d'avoir une approche minimaliste. Une autre approche pour remédier au problème : plutôt que de dire deux choses en même temps, dire l'une puis l'autre. Encore une autre solution : ne pas faire parler deux instruments à la même hauteur. Transposer l'un des deux une octave plus haut ou plus bas pour les distinguer mieux. Doublement - Est-ce que la mélodie joue une note seule, ou bien par accords ? Dans ce second cas, attention à ne pas créer trop de parallélismes (bêtement plaquer les accords sur la mélodie) : varier les mouvements d'écartement et de rapprochement. - Est-ce que la mélodie est doublée à l'octave ? On peut doubler un violon à l'octave supérieure par un violon (pour faire mieux entendre la mélodie), à l'octave inférieure par un violoncelle (pour mieux marier les cordes), à l'unisson par une flute (pour des raisons de timbre). Entremêlement, empilement - Pour rendre un groupe d'instruments (typiquement les bois ou les cordes frottées) homogène et univoque, entremêler les lignes : flute + clarinette + flute + clarinette, ou bien doubler la ligne de violon au violoncelle à l'octave inférieure, etc. - Pour rendre les voix distinctes, empiler normalement les instruments dans l'ordre de leur tessiture : flute + hautbois + clarinette + basson. Répétitivité et nouveauté - Ne pas être trop répétitif. On peut répéter une phrase/section deux fois de suite, mais après il faut apporter de la nouveauté avec une nouvelle section/nouvelle phrase. Il y a d'autres façons d'ajouter de la nouveauté : variation ( = déformer la phrase), ajouter un instrument "déco" en plus, faire jouer la section/phrase par d'autres instruments, doubler la mélodie (en la jouant par accords, ou bien enrichie du timbre d'autres instruments), changer le remplissage (deux-trois instruments solo VS tout l'orchestre), moduler la section/phrase vers une autre tonalité, changer le tempo, changer le rythme (de 4 temps vers 3 temps), jouer plus haut ou plus bas, ... Vélocité - Régler soigneusement, note par note, la vélocité des lignes musicales, sinon le morceau sonnera mécanique, peu réaliste. Quelles vélocités attribuer ? Si on ne sait pas, une règle de base est de mettre une grande vélocité sur les temps forts et une faible vélocité sur les temps faibles. Sur une mesure à quatre temps, l'importance des temps sera souvent la suivante : 1 3 2 4, et donc la vélocité respective sera : forte, moyen-faible, moyen-forte, faible. Sur une mesure à trois temps, on aura peut-être, dans cet ordre, les vélocités respectives : forte, faible, moyenne. Ensuite, écouter le morceau, et ajuster les vélocités selon l'éventuel comportement incongru des instruments. Attaque - Certains instruments peuvent avoir une attaque lente (la puissance met du temps à arriver), par exemple un tas de violons tout mous. Mélangés avec d'autres instruments à l'attaque instantanée, cela peut donner une impression d'asynchronie. Dans ce cas, retarder très légèrement tous les instruments à attaque courte afin d'aligner les battements ressentis. Stéréo - Utiliser pleinement la stéréo. Ne pas mettre bêtement tous les instruments au milieu. Respecter la disposition habituelle de l'orchestre (violons à gauche, tubas à droite) ? Ou pas (basses venant des deux côtés pour entourer l'auditeur) ? - Equilibrer le morceau : à tout moment, il y a certains instruments à gauche, d'autres à droite. Si à un moment donné du morceau, tous les instruments sont situés d'un seul côté, ça n'est pas forcément agréable. - Dialogue : un instrument à gauche peut répondre à un instrument à droite, et ainsi de suite. - Un instrument peut éventuellement se promener de droite à gauche pour tournoyer autour de l'auditeur. Distorsion - Un peu mais pas trop. - Un peu de distorsion sur certains instruments au timbre trop timide pour le rôle qu'ils jouent ici. Sur la contrebasse ? Réverbération - Un peu mais pas trop. - Adapter au lieu fictif à musicaliser : cathédrale ? grotte ? chambre d'étudiant ? Chaque lieu a une acoustique propre. - Quid d'un effet d'écho sur un instrument ? (clochettes, steel drum...) Filtres - Ne pas oublier de filtrer les instruments graves (kick drum, contrebasse, basse...) dans les aigus (passe-bas), les instruments médians dans les aigus et les graves (passe-bande) et les instruments aigus (violon, flute...) dans les graves (passe-haut). Sinon des harmoniques indésirables viennent parasiter les autres instruments, rendant le mix boueux. Volume - Bien régler le volume des différents instruments, pour qu'ils soient tous audibles, pour qu'il n'y en ait pas un qui dépasse trop des autres. Ça peut être difficile à estimer. Une astuce consiste à inverser son casque (gauche à droite, droite à gauche) pour écouter son morceau avec une nouvelle oreille. Une autre astuce consiste à oublier son morceau, en l'écoutant le lendemain, ou bien en écoutant d'autres morceaux qui n'ont rien à voir entre temps. Compresseurs - Un peu mais pas trop. - Un compresseur peut aider à dompter le volume d'un instrument qui a tendance à monter trop haut, afin d'éviter un écrêtage global. - Un compresseur peut rendre le son d'un instrument plus "plein", plus "punchy", plus "confiant". - Un compresseur multibande peut aider à rendre les instruments plus distincts, en supprimant des fréquences qui interfèrent négativement. Mais essayez de régler les volumes le plus correctement possible d'abord. Le compresseur multibande ne pourra pas corriger des volumes à votre place.

Roi of the Suisse - posté le 18/04/2024 à 23:19:20 (30339 messages postés) - - ❤ 0
Chanter l'hyperchleuasme	Urf orf. N'hésitez pas à compléter avec des conseils qui manqueraient, des erreurs que vous commettiez dans le passé, et que vous ne faites plus grâce à l'expérience, etc.
Es-tu une star ? | Kujira no Hara | Muma|Rope | Polaris 03 | La 7e porte

anthonyP - posté le 19/04/2024 à 17:46:30 (1006 messages postés) - ❤ 0
	Oui tout à fait d'accord sur la signature en 4/4 on peut avoir tendance à se contenter du 4/4 quand on est débutant à cause d'un manque de connaissance sur l'utilisation des rythmes. C'est quelque chose que je faisais malheureusement assez souvent : n'aborder la composition qu'avec du 4/4. Sur mon logiciel GuitarPro6 par rapport à la "vélocité" j'avoue que je ne connaissais que piano / mezzo piano / mezzo / mezzo forte / f / ff qui est plus "la dynamique" etc... et je ne pense pas qu'il s'agisse de la vélocité malheureusement. : ( Du coup il m'arrive d'utiliser les ghostNotes pour ettoufer certaines notes quand c'est un instrument à corde mais je ne sais pas si GuitarPro6 permet vraiment de jouer sur la vélocité. En plus j'ai vite senti que piano / mezzo piano / forte etc.. c'était vachement limité pour faire des transitions. C'est un des plus gros soucis dans mes compos depuis longtemps j'ai toujours eu du mal à trouver l'outil "Velocité" dans GuitarPro ce qui fait que j'ai surtout misé sur l'idée, moduler, apporter de la richesse plus dans les choix harmoniques que dans la velocité et la façon de donner un aspect organique et plus "humain" au jeu. J'ai trouvé un outil de vélocité dans LMMS qui est assez chouette par contre j'ai peu être un peu d'espoir de trouver des alternatives. ; o ) Enfin si en fait je me rend compte qu'il y à un outil dans automation mais ça ne ma jamais paru être vraiment pratique vu qu'on ne peut pas copier coller certaines patterns quand on change la velocité sur une mesure.
Mes illustrations à : https://www.artstation.com/anthony-philippeau Les musiques que je compose pour mes projets de jeu vidéo : https://soundcloud.com/octonhy

Cornemuse - posté le 19/04/2024 à 19:49:14 (75 messages postés) ❤ 2Roi of the Suisse AnthonyP
	C'est une check-list complète, je trouve ça cool ! Je dirais tout de même : attention à ne pas vouloir faire complexe juste pour faire du complexe. Il y a des tonnes de choses magnifiques qui sont en 4/4, utilisent quasiment que des triades et avec des répétitions systématiques à faible variation. Et à l'inverse je suis d'accord avec toi qu'il faut garder en tête toutes les possibilités qui sortent des cadres habituels. Il y a tellement de choses à faire, en musique. C'est trop bien, la musique. Tu fais bien d'insister sur le "un peu mais pas trop" dans toutes les parties sur le mix. Comme tous les débutants, j'ai mis des années à comprendre qu'il faut de la retenue, faire attention aux effets waouh et faire les réglages avec parcimonie. Vraiment ce point est essentiel. Du coup d'ailleurs au sujet de la stéréo : attention aussi à trop vouloir élargir le son, souvent ça va avoir tendance à le "diluer", lui faire perdre de sa consistance. Au sujet des vélocités, ça dépend vraiment du style. J'ai plutôt tendance à adoucir les temps forts, parce que comme leur nom l'indique, ils sont déjà forts. On peut vite avoir un effet pompier à trop les mettre en valeur. Si je devais ajouter un élément dans la check-list ce serait : écouter le morceau avec le plus de systèmes de son différents possibles, allant du matériel de monitoring pointu au son sorti tout droit du téléphone. Il faut qu'il sonne correctement partout, pas uniquement dans son casque préféré.
Visual novel experimental terminé et dispo gratuitement sur itch.io : De Profundis. Environ 10h pour une histoire d'horreur et d'émotion se déroulant dans le noir complet.

anthonyP - posté le 19/04/2024 à 20:52:29 (1006 messages postés) - ❤ 0
	Cornemuse a dit: Si je devais ajouter un élément dans la check-list ce serait : écouter le morceau avec le plus de systèmes de son différents possibles, allant du matériel de monitoring pointu au son sorti tout droit du téléphone. Il faut qu'il sonne correctement partout, pas uniquement dans son casque préféré. Oui c'est pas faux : o ) Mon père qui à travaillé dans la sonorisation ma souvent donné ce conseil aussi. On peut faire un peu la même chose en graphisme dalleurs : Regarder son illustration sur différents écrans pour voir si il y à un bon équilibre, contraste etc pour voir si l'image reste suffisamment lisible.
Mes illustrations à : https://www.artstation.com/anthony-philippeau Les musiques que je compose pour mes projets de jeu vidéo : https://soundcloud.com/octonhy

anthonyP - posté le 07/05/2024 à 14:10:11 (1006 messages postés) - ❤ 0
	Je re ici pas hésiter aussi à parler dans "Nature des accords " de parler aussi de l'ambiance qui se dégage des gammes. Ya aussi des variantes aux modes : Lydien dominant. Super machin etc... qui eux aussi apportent des couleurs encore totalement différentes. Locrien qui peut aussi moduler en une gamme japonnaise. La gamme Kumoi c'est juste Locrien avec des notes jouées en moins et ça change complétement l'esprit du morceau. La modulation avec les gammes à transposition limitées aussi c'est énormément utilisé en compo de jeux : Moduler de Lydien à la fameuse gamme Ton par Ton etc... Ya beaucoup de modulations. Certains modes et certaines gammes modulent très bien entre elles. Certaines modulations peuvent être atypique il y aurait beaucoup à dire sur la modulation et creuser tout un tas d'astuces. Moi j'aurais bien vu un petit article sur les possibilités de modulations, quelques recette qui fonctionnent bien et qui peuvent servir un propos. La gamme mineur Aeolien peut moduler avec la gamme mineur diminuée. Alors que majeur ionien module bien avec Augmentée. On peut aussi moduler la gamme mineur Eolien avec une gamme mineur Blue. Mineur Eolien module bien aussi avec mineur Phrygien etc... c'est des choses qu'on apprend des fois juste en écoutant des morceaux mais c'est toujours du temps de gagner de l'expliquer à des gens qui apprennent les modes ça leur donne vite des pistes. Changer de mineur pour moduler en majeur et inversement est aussi beaucoup utilisé dans la pop et ailleurs. Voilà y'aurait beaucoup à dire sur les modulations. Lydian Dominant à 1 minute 49 : C'est la gamme dans l'Ost de Tonic Trouble Lydien Dominant ça sonne complétement pas comme le Lydien classique c'est assez fou. Le mode Lydien donne déjà quelque chose d'un peu mystique en apesanteur mais là lydien dominant à aussi quelque chose de très spécial, il vaut le coup d'oeil aussi en composition. une gamme majeur indienne utilié par le guitariste compositeur JeffBeck, super gamme, je ne connais pas son nom mais ça doit commencer par Rhaga quelque chose : Tonique / tierce majeur / Quarte juste /quinte juste / 7 ème majeure, c'est une gamme pentatonique indienne. Mais elle doit avoir un équivalent ailleurs. Rien que de la jouer et s'amuser avec sur un instrument en impro ça sonne déjà comme un truc connoté indien c'est assez chouette. J'aime beaucoup ce genre de gamme sortie de nulle part.
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Roi of the Suisse - posté le 16/05/2024 à 16:46:56 (30339 messages postés) - - ❤ 0
Chanter l'hyperchleuasme	AnthonyP a dit: Locrien qui peut aussi moduler en une gamme japonnaise. La gamme Kumoi c'est juste Locrien avec des notes jouées en moins et ça change complétement l'esprit du morceau. C'est intéressant comme remarque. Je n'avais jamais pensé à associer une sonorité modale occidentale aux gammes japonaises. C'est occidento-centré, mais ça peut avoir son utilité. Je ne réfléchis jamais en terme de gamme Kumoï (1 2 b3 5 6 = 2/2 1/2 4/2 2/2 3/2), mais plutôt en terme de gamme Insen (1 b2 4 5 b7 = 1/2 4/2 2/2 3/2 2/2). Ça me semble plus naturel. Ce sont deux modes d'une même gamme, par exemple ré Kumoï c'est : ré mi fa la si ; et mi Insen c'est : mi fa la si ré. Kumoï aurait donc une sonorité plutôt dorienne, et Insen aurait une sonorité plutôt phrygienne. Dans Pokémon Or et Argent, j'ai l'impression que c'est la gamme Insen qui est souvent mise en relief : À une transposition près on a : mi rémifa la si dosila fa mi rémifa ré mi. Bon euh, il y a un intrus, le do, donc ça n'est pas purement du mi Insen. C'est pour ça que je dis que la gamme Insen est "mise en relief" (et pas "utilisée"). Mais on gravite bien autour du mi, donc on a la sonorité phrygienne. J'ai même envie de congratuler l'intrus, parce que le do est un indice de plus pour repérer où se situe la superposition entre la gamme pentatonique et la gamme diatonique. Sans cet indice, on pourrait hésiter avec un autre mode que phrygien. Quand je veux avoir l'esprit musical japonais, je repense aux musiques de Pokémon Or et Argent, et j'ai tout de suite la gamme Insen en tête. Sinon il y a la chanson "sakura". Elle gravite beaucoup autour du si, alors on pourrait penser au locrien, mais elle atterrit finalement sur un mi, donc bon, le phrygien est tout à fait concevable.
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AnthonyP - posté le 28/08/2024 à 22:09:12 (1006 messages postés) - ❤ 0
	Oui le morceau Sakura c'est carrément ça. J'y avais pensé comme toi quand j'avais entendu parler de ces gammes. Marrant moi qui n'ai pas connus les pokémons d'après. Après ça n'est pas étonnant de voir des OSt avec des gammes jap pour des jeux fait au japon. ; o ) Je me disais aussi que comme ça pouvait faire penser à du Locrien ou autre mode et bein on peu aussi s'en servir comme des gammes de passages pour faire un Break dans un Riff. On peut utiliser ces gammes japonnaises pour imaginer des arpèges comme ton morceau Sakura mais aussi les voirs comme des gammes de passages. J'ai déjà eu souvenir d'avoir entendu des guitaristes utiliser ces gammes lors de solo. Et je suis presque sur que c'était des sortes de triades. Comme ces gammes sont pentatoniques forcément ça fait penser à des gammes raccourcies un peu comme on jouerait des triades dans un solo de guitare. Donc sans doute qu'on peut aussi un peu les voir comme des triades avec 2 notes en moins. Triade mineur machin ou Triade mineur quelque chose et que les guitaristes ne voient pas ces gammes japonnaises comme des gammes japonnaises mais comme des sortes de triades ou pentas qu'ils vont utiliser pour faire des transitions. Dans tout les cas on pense plus en terme de notes caractéristiques d'un mode si j'ai bien compris donc qu'elles sont les intervalles qui quand on insiste dessus donne cette connotation japonisante ?
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